Mes: abril 2022

El XIV Ciclo de música contemporánea del conservatorio superior de música Bonifacio Gil de Badajoz (CSMB) se desarrolla entre el 20 de abril y el 5 de mayo. Este evento supone todo un reto y una apertura de horizontes de expresión musical en los que se imbrican las dos especialidades que alberga el centro: Interpretación y Composición. Asimismo, el ciclo aglutina una colección de propuestas que vienen a completar la variada gama cultural que ofrece el conservatorio, como responsable de la formación académica de más alto nivel en el ámbito público en la región extremeña.

En la actualidad, el lenguaje musical extendido abre paso a múltiples propuestas: desde adaptaciones de obras del catálogo clásico bajo otros puntos de vista interpretativos, hasta las más impactantes performances. Todos los eventos son exposiciones únicas que generan universos sonoros alternativos a la tradicional música clásica y que forman parte esencial del repertorio de todo intérprete.

Como cada año, el ciclo se compone de una serie de conciertos y conferencias. Un peso importante de las actividades surgen en la clases del conservatorio, así, el aula del profesor Jesús Valero realiza la propuesta: De resonancias y sonoridades, invitando a descubrir las diversas posibilidades tímbricas que aportan la madera, la piel y el metal de los instrumentos de la especialidad de percusión. Los alumnos de Lectura e interpretación de la música contemporánea protagonizan el siguiente evento con una selección de obras de grandes maestros del siglo XX y estrenos de nuevas creaciones de la especialidad de Composición. Con la participación del aula de saxofón del profesor Vicente Contador se investigan las posibilidades sonoras de la familia de los aerófonos. Por último, los alumnos del aula del profesor Manuel Escalante realizan un monográfico sobre Tomás Marco dentro de la asignatura Repertorio solista contemporáneo.

Si la presencia de alumnos viene siendo uno de los principales ejes vertebradores del ciclo, también lo es la participación de egresados. Un evento está a cargo del grupo Witz, donde Alfonso Saiz y el profesor José Beltrán abordan un repertorio de cámara y muestran también las posibilidades tímbricas del clarinete solista contemporáneo. El segundo concierto de egresados lo protagoniza Roberto Maqueda que realiza una revisión estética y conceptual del panorama actual de creación musical, ofreciendo un estreno absoluto: Thorn como propuesta artística colaborativa junto al compositor Andreas E. Frank.

El ciclo brindará la oportunidad de asistir a dos conciertos de primera línea en el panorama de la música actual, el primero a cargo de Juanjo Guillem bajo el título Marimba líquida donde se plantea cómo el sonido fluye hasta convertirse en algo intangible, y Soundpainting, que bajo el epígrafe Life, y a través de este proyecto interdisciplinar, narra la vida de una bailarina mediante el sonido contemporáneo japonés de la flauta travesera y la pintura sumi-e.

Este ciclo constituye todo un aliciente para el apoyo de la creatividad dentro del ámbito musical, al tiempo que contribuye al fomento en el alumnado del acercamiento a los nuevos lenguajes y grafías musicales sirviendo de impulso a la formación pedagógica de la música actual. Por otra parte, esta serie de conciertos promueve la formación de una generación que se expresa a través de las artes al tiempo que abre el campo de la música contemporánea a todas las especialidades de la interpretación. Esta iniciativa supone una oportunidad de estrenar obras compuestas por alumnos y profesores del CSMB Bonifacio Gil y contribuye a la apertura de nuevos espacios para conciertos.

La coordinación del ciclo está a cargo del profesor Gonzalo Navarro. Las actividades tienen lugar, por una parte, en el salón de actos del conservatorio y en la Sala Aftasí y, por otra, en el Salón Noble de Diputación donde se lleva a cabo la actuación del grupo Witz. El conservatorio agradece al Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) la cesión de sus espacios para la realización de diversos conciertos, así como a la Factoría Joven de Badajoz que albergará el evento ofrecido por Roberto Maqueda para cerrar el ciclo.

Charo Mayoral, directora del CSMB Bonifacio Gil

1ª parte

Olivier Messiaen (1908-1992): Liturgie de cristal (1941)
(Cuarteto para el fin de los tiempos I)

Helena González (1991): Three poems

1. Dead Love (Elizabeth Siddal)
2. Flower in the Crannied Wall (Alfred Tennyson)
3. De Profundis (Georgina Rossetti)

Helena González: Good Friends

1. New Wings
2. From the Ground
3. Friendly chase

Olivier Messiaen: Abîme des oiseaux
(Cuarteto para el fin de los tiempos III)

2ª parte

Helena González: Ritual (estudio para percusión)

György Ligeti (1923-2006): Musica Ricercata (1951). Selección

V – Rubato. Lamentoso
VII – Cantabile, molto legato
XI – Omaggio a Girolamo Frescobaldi

3ª parte

Jaime Cuervo (1996): Dos estudios politonales para piano

George Crumb (1929-2022): Makrokosmos (1972). Selección

Night-Spell
Music of Shadows (for Aeolian Harp)
Twin Suns
Spring-Fire

4ª parte

Guillermo Osorio (1990): Piano líquido

Luciano Berio (1925-2003): Sequenza per flauto (1958)

Encores (1965-1990). Selección

Leaf
Erdenklavier
Brin

Intérpretes

Piano: Samuel de la Prida, Jacobo Ramos, Carmen Noja, Laura Rioja, Blanca Travieso, Samuel Asencio, Miguel Muñoz, Jorge del Bosque.
Violín: Luis Acedo
Clarinete: Antonio Martín
Violonchelo: Ana Vila
Percusión: Kibbir Mhaddan, Pablo Morales
Flauta: Rodrigo Díaz

Notas al programa

Un año más, el aula de la asignatura de Lectura e Interpretación de Música Contemporánea (LIMC) del Conservatorio Superior de Música «Bonifacio Gil» presenta un programa integrado por una muestra de obras de grandes maestros del siglo XX, junto con el estreno de nuevas creaciones de alumnos que cursan actualmente estudios de Composición.

Los maestros que se han elegido para esta ocasión son Olivier Messiaen, György Ligeti, George Crumb y Luciano Berio, de los que podremos escuchar una selección de movimientos de obras tan representativas y emblemáticas del siglo XX como son el Cuarteto para el fin de los tiempos, Musica ricercata, Makrokosmos, Sequenza I y Encores.

Dentro del mismo programa también escucharemos los estrenos absolutos de Jaime Cuervo, Guillermo Osorio y Helena González, tres jóvenes alumnos de Composición del centro que nos presentarán una significativa y variada muestra de sus últimos trabajos.

Juanjo Guillem (1965): Acción-Video: Línea evanescente

Texto: Gustav Metzger.
Sonidos: Neopercusion_Rafa Gálvez.
Realización Video: Josetxu Dávila-Ramón Mateos.
Montaje: Ramón Mateos.
Sonido: Iván Ferrer.

Localización: Nunca Nadie Nada No-Madrid.

Pablo Palacio (1976): Expansor* (2019)

Para una lámina C1 de marimba.
Composición algorítmica en lenguaje supercollider.

Gonzalo Navarro (1981): Del aliento de los árboles* (2022)

Para marimba y electrónica

Mauricio Sotelo (1961): Muros de dolor… ViIIa Bulería (2019)

Versión líquida para marimba de Juanjo Guillem.

Juanjo Eslava (1970): Canta Madera, grita!* (2021)

Para marimba y resonancias amplificadas.

Joan Bages (1977) / Juanjo Guillem (1965): La condició póstuma* (2019)

Para marimba y electrónica.

Juanjo Guillem (1965): Acción – Vídeo: ¿Algo duradero? (2019)

Texto: Zygmunt Bauman.
Realización Video: Naser Bayat.
Asistente, figurante: Elvira Chardí.
Sonidos: Neopercusión_Rafa Galvez.
Localización: Catarroja (Valencia)

*Escritas para Juanjo Guillem

Juanjo Guillem (Catarroja,Valencia, 1965)

Reconocido por la crítica como “…un artista capaz de lo imposible, además de crear espectáculo”, el percusionista español Juanjo Guillem aborda las más diferentes propuestas artísticas gracias a sus innumerables recursos artísticos y técnicos adquiridos a través de sus expansivas interpretaciones en importantes salas de concierto de todo el mundo.

Ha interpretado numerosos conciertos para percusión y orquesta de grandes compositores junto a agrupaciones como Orq. Nacional de España, Orq. Sinfónica de Barcelona, Orq. Sinfónica de Madrid o la Orq. de Cámara de San Petesburgo entre muchas otras.

Guillem destaca por su compromiso con el arte de su tiempo estrenando un gran numero de piezas de compositores como José Luis Turina, Jesús Torres, J.M. Sánchez Verdú y un largo etc.

Es Dtor artístico de NEOPERCUSION, grupo con el que ha actuado en importantes salas de conciertos de Europa, Asia y América además de director artístico de mADRID aCTUAL (Madrid) y de Ágora Actual Percussio (Javea, Alicante), cuyas programaciones incluyen manifestaciones artísticas contemporáneas de diversas especialidades y tendencias.

Como compositor ha escrito numerosas piezas y ha recibido encargos de diversas instituciones como Centro de la Difusión de la Música Contemporánea o el Institut Valencia de la Música.

Notas al programa

Creadores e interpretes, investigadores todos, atraídos por la “modernidad liquida” (Zigmunt Bauman dixit) que nos envuelve y atrapados por el ansia de evolucionar, se sumergen en una aventura con muchos caminos hacia diferentes direcciones en busca del lugar donde el sonido pierde su forma sólida y fluye hasta convertirse en algo intangible.

¿pronosticar la evolución?… no, planificar el futuro que constantemente desafía las formas existentes.

Pablo Palacio (1976): Expansor, para una lámina de marimba

Expansor es una obra escrita para un solo bar de marimba. La pieza explora las posibilidades tímbricas de este instrumento, desarrollando y organizando una nueva gama de sonidos que tradicionalmente han estado ocultos o no formalizados en la literatura para marimba. La pieza está compuesta íntegramente mediante una serie de algoritmos generativos escritos en lenguaje Supercollider, que han sido concebidos especialmente para esta pieza.

Gonzalo Navarro (1981) del aliento de los árboles, para marimba y electrónica

La obra se adentra en las profundidades de la materia sonora, buscando en el interior de la madera su propia memoria. Sonidos que han ignorados salen a la superficie gracias al uso de baquetas especiales que resaltan todos estos detalles. El uso continuado y no tradicional de las seis baquetas proporciona una amplia paleta de colores que conviven en una estructura contrapuntística de acciones, donde los componentes espectrales generan el contexto armónico de la obra.

Juanjo Eslava (1970): Canta Madera*, para marimba y resonancias amplificadas

Madera: locura de encuentro tierra cielo árbol, el árbol de quien procede. Los armónicos encerrados en cada hoja conectan con la constelación, lo ingrávido, lo simbólico. Madera abierta a golpes, mostrando su flujo de corrientes internas, su alimento de agua y tierra. No sale sin mostrar sus astillas, fibras, heridas.

Mauricio Sotelo (1961): Muros de dolor… Viia bulería (2019)

(Versión líquida para marimba de Juanjo Guillem)

“Muros de dolor” , habla del dolor y la tristeza del alma. El carácter fuerte y expresivo se logra a través de una sucesión calculada con precisión de «micro-intervalos» y una paleta ampliada de «micro-cualidades» del tono gracias a los diferentes timbres que presenta la marimba.

Joan Bages (1977): La condición póstuma*, para marimba y electrónica

Búsqueda de nuevas sonoridades, gestualidades y musicalidades en la marimba que permiten explorar el instrumento de otra manera. El proyecto parte del concepto de hyperinstrumento donde el instrumento acústico y la música electrónica funcionan como un todo, es decir, como una realidad no dialéctica.

La vida de una bailarina es contada a través de la música contemporánea japonesa para flauta travesera y la pintura sumi-e. Un sounpainting interdisciplinar de música, danza y pintura sumi-e con audiovisuales.

Toru Takemitsu (1930/1996): Masque

Toru Takemitsu (1930/1996): Voice

Yoshihisa Taïra (1937/2005): Synchronie

Yoshihisa Taïra (1937/2005): Hierophonie IV

1. Déchirant (Desgarrador)
2. Frémissant (Tembloroso)
3. Calme (Calma)
4. Hésitant (Indeciso)
5. Méditatif (Meditativo)

Toshi Ichiyanagi (1933): In living a memory

Kazuo Fukushima (1930): Mei

Audiovisuales: Idoia Calvo
Baile en audiovisual: Andrea Loyol

Roberto Casado, flauta

Nace en Pamplona y estudia flauta con Begoña Agirre en el «Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate» de Pamplona, donde termina la carrera de Flauta con el Primer Premio de Honor y el Título Superior de Música de Cámara, con Matrícula de Honor.

Posteriormente prosigue sus estudios en la «Escuela Nacional de Música» de Las Landas (Francia), con Hervé Hotier y en la «Escuela Nacional de Música Emile Clerisse» de Evreux (Francia) con Georges Alirol, donde consigue sendas Medallas de Oro por unanimidad.

Ha dado numerosos conciertos como solista con orquestas como Sinfónica de Navarra ,Pablo Sarasate, Ciudad de Málaga, Swinging Strings de la Orquesta Sinfónica de Euskadi entre otras muchas.

Ha interpretado conciertos de solista con diversos directores, entre los que cabe destacar a Caroline Collier, Jesús María Echeverría o José Luis Lemes.

Entre sus premios más importantes caben destacar: 1º Premio por unanimidad del «Concurso Nacional de Flauta Manuel Garijo”(1993) o el 1º Premio por unanimidad del «Concurso Internacional de Flauta Buffet-Crampon» (1996).

Unai Casado, flauta

Nace en Pamplona y comienza sus estudios musicales bajo la tutela de Roberto Casado. Posteriormente, prosigue sus estudios de música en el Conservatorio Profesional de Música «Pablo Sarasate» de Pamplona, donde consigue altas calificaciones, así como el premio fin de grado profesional. Prosigue sus estudios en la Haute École de Musique de Ginebra con el profesor Jacques Zoon.

Ha participado en numerosos conciertos a lo largo de toda la geografía de la Comunidad Foral de Navarra y Suiza. Fue flauta solista de la Banda de Música de Burlada desde 2008 a 2010 y de la orquesta del Conservatorio Profesional de Música “Pablo Sarasate” de Pamplona bajo la dirección de Koldo Pastor desde 2010. Ha interpretado numerosas obras como solista con la Orquesta de Cámara Xavier.

Kumiko Fujimura, pintura

Kumiko Fujimura nace en Osaka, Japón, país en el que se inicia en las Artes Plásticas. En 1990 viaja a España para iniciar su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde entonces ha desarrollado una intensa labor creativa participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas que le han llevado por lugares como Tokyo, Osaka, Kobe, La Habana, Madrid, Zaragoza, Barcelona, Valencia, Roma, Perugia, etc. Actualmente compagina su labor como artista con la enseñanza del sumi-e o pintura a la tinta tradicional japonesa.

Karlheinz Stockhausen (1928-2007) Knabenduett (1983)

Giacinto Scelsi (1905-1988): 3 Pezzi (1956)

Negra=80-84
Dolce, meditativo
Negra=108

José María Sánchez Verdú (1968): Transitus (2012)

François Rossé (1945): Le Frêné Égaré (1979)

Christian Lauba (1952): HARD (1988)

Alicia Reyes (1996): It’s my party and I cry if I want to. Para saxofón barítono y electrónica (estreno de la versión para saxofón solista)

Adolfo Núñez (1954): Quebrada (1993), para saxofones y electrónica

Intérpretes

Jorge Gallego, Sergio García, Ginés Pérez, Lara Vieira, Juan Manuel González

Notas al programa

Knabenduett (1983), de Karlheinz Stockhausen (1928-2007)

Dedicada a Otto Tomek, pertenece a la ópera dividida en 3 actos “Donnerstag aus Licht”. Fue la primera de 7 óperas compuestas para el ciclo de óperas “Licht” que cuenta con unas 29 horas de música. Éstas fueron compuestas entre 1977 y 2003.

3 pezzi (1956), de Giacinto Scelsi (1905-1988)

La obra, dividida en 3 movimientos, combina estilos orientales con la improvisación (escrita). A través del tratamiento rítmico desarrollado, de las notas largas impactantes e irregulares y de los pasajes virtuosísticos en el registro medio y agudo, Scelsi deja patente que esta obra se basa en la yuxtaposición de dos personalidades, una tranquila y mansa y otra totalmente opuesta.

Transitus (2012), de José María Sánchez Verdú (1968)

Esta obra para saxofón bajo solo fue compuesta en 2012 y está dedicada a Andrés Gomis. Verdú bautiza esta experimentación como gegen spielen, es decir, “contratocar” o “tocar contra uno mismo”. El compositor propone al instrumentista disociaciones entre las acciones que ejecutan las diferentes partes de su cuerpo.

Transitus nació como un gran solo elaborado a partir del concierto Elogio del tránsito para saxofón bajo/contrabajo, auraphon y orquesta estrenado en 2011, y que a su vez fue incorporado a ATLAS (Islas de utopía), ópera-instalación estrenada en 2013.

Le frêne égaré (1979), de François Rossé (1945)

“Esta obra, arriesgada donde las haya, indudablemente ha colocado al saxofón entre los instrumentos concertantes, capaces de hacerse valer por si mismos. Le Frêne Égaré ha abierto una nueva era del saxofón «clásico». Esta partitura es la primera que ha estado enteramente pensada y escrita solamente a partir de elementos idiomáticos del saxofón alto. Contiene una decena de secuencias articuladas por silencios de tensión, o al contrario, ligadas entre ellas por señales sonoras, expuestas en la introducción: el sonido, la polifonía, el aire”. (J.M. Londeix)

Hard (1988), de Christian Lauba (1952)

“Hard” es una obra para saxofón tenor solo escrita por el compositor francés Christian Lauba y dedicada al saxofonista Jean Michel Goury. Creada con motivo del IX Congreso Internacional de Saxofón de Tokyo en 1988, propone, según palabras de Jean Michel Goury, «una síntesis entre la música contemporánea actual y la música popular (Hard Rock, Soul Music)”.

Esta obra, situada en la etapa compositiva más joven del autor, reúne una amplia gama de técnicas extendidas del saxofón (slap, multifónicos,…) y según palabras del propio compositor: «Hard está destinada, desde que empezó a escribirse, a ser una exposición de los límites que puede tener tanto el instrumento como el intérprete, como si de un abanico de colores se tratara.»

It’s my party and I cry if I want to [2] (2022) para saxo barítono y electrónica, de Alicia Reyes (1996)

En “It’s my party and I cry if I want to [2]” asistiremos al estreno absoluto de la segunda versión de una obra para cuarteto de saxofones y electrónica encargada por Lexos ensemble tras el concurso celebrado durante el KlexosLab en verano de 2021.

“En esta obra, el saxofón barítono es procesado con diferentes técnicas y electrónica. El intérprete adopta un lenguaje sonoro y una forma de improvisar propia del género techno melódico, normalmente ajena a contextos académicos, desarrollando nuevas formas de virtuosismo y diversión” (Alicia Reyes).

Quebrada (1993), de Adolfo Núñez (1954) para saxofones y electrónica.

“Quebrada” fue compuesta en 1993 a instancias de Francisco Martínez a quien está dedicada junto con el Sax Ensemble. La parte electroacústica fue realizada en el LIEM-CDMC y en el estudio privado del autor.

La idea principal consiste en tratar de modificar la sonoridad del cuarteto de saxofones mediante la mezcla con los sonidos sintéticos grabados. Se pretende, más que establecer un diálogo entre los instrumentos y la electrónica, intentar fundirlos, creando nuevos mundos sonoros aprovechando también la riqueza comunicativa que los intérpretes en vivo proporcionan.

1ª parte

Novel Sámano (1969): Branchements II, clarinete y piano (2021)

Heinrich Sutermeister (1910): Capriccio, clarinete solo (1946)

Kimmo Hakola (1958): Diamond Street, clarinete solo (1999)

Ignacio Ferrando (1982): Fantasía, clarinete bajo y piano (2021)

2ª parte

Alexandre Delgado (1965): Langará, clarinete solo (1992)

Jörg Widmann (1973): Fantasía, clarinete solo (1993)

Jörg Widmann (1973): 5 Bruchstücke, clarinete y piano (1997)

Intérpretes

Alfonso Saiz Revuelta, clarinete. Premio especial al Mejor Intérprete de Música Contemporánea en la 19ª edición del Concurso Intercentros Melómano

José Beltrán Ávila, piano. Profesor de Música de Cámara y repertorista en el Conservatorio Superior de Música de Badajoz Bonifacio Gil.

Notas al programa

El violinista y ensayista norteamericano John Joseph Daverio, dentro de sus estudios sobre la técnica fragmentaria aplicada por R. Schumann en composiciones como la Fantasiestucke op.12, define el término alemán «Witz» como «la idea del arte como fragmento […] cuyo sentido se encuentra precisamente en no pretender ser posteriormente desarrollado». (Daverio, 1990)

En el mismo sentido, Daverio afirma que «la base de la técnica Witz es un recurso narrativo que muchos novelistas del Romanticismo usaban en sus obras», como es el caso del poeta alemán Jean Paul, quien a su vez define dicho término como «un poder que se asemeja a un rayo de luz, descubriendo similitudes remotas entre términos aparentemente inconmensurables».

Todas las obras que conforman el presente programa tienen en común precisamente los preceptos artísticos del Witz, es decir, la idea de establecer y buscar similitudes e interrelaciones, por remotas que parezcan, entre los distintos compositores y lenguajes, que integran una innumerable cantidad de conexiones que se proyecta hasta el infinito. Un viaje sonoro desde la célula motívica más pequeña a la macroforma, del pigmento al trazo, y del decibelio a la poesía.

El concierto está estructurado en dos líneas; por un lado, se interpretan tres obras de cámara para clarinete y piano. En la primera parte, dos de ellas muestran las conexiones y las resonancias pantonales que nos proponen Novel Sámano, con su Branchements II, e Ignacio Ferrando con su contrastante Fantasía (ambas obras de muy reciente creación). A estas se suman los Cinco fragmentos del compositor alemán Jörg Widmann, que pondrán el broche final al programa.

Por otro lado, Alfonso Saiz interpretará cuatro importantes obras del repertorio contemporáneo solista de clarinete. Dentro de la primera parte, escucharemos el neoclásico y evocador Capriccio del compositor suizo Heinrich Sutermeister, al que seguirá Diamond Street, de Kimmo Hakola, una obra con ecos de la música tradicional judía klezmer, ya que está inspirada en el ambiente de la calle de los joyeros de Amberes, y en la que una gran parte de los adornos y efectos musicales son improvisados por el propio intérprete. Por último, y ya en la segunda parte, escucharemos Langará, del portugués Alexandre Delgado, junto con la Fantasía de Widmann. Ambas obras explotan profusamente los recursos del clarinete mediante el empleo de técnicas extendidas propias de la música actual. Estos recursos son más evidentes en la obra de Widmann, ya que el compositor es también clarinetista y conoce de primera mano las posibilidades técnicas del instrumento.

La Soledad del Unicornio

Contorno de Planto

Llueve Chopin (sobre el preludio Op.28 No 15)

Stella Splendens

Siluetas en el Camino de Comala (homenaje a Juan Rulfo)

Diferentes Diferencias

Movilidad de la estructura

1.La victoria de Samatracia sobrevuela la escalinata del Louvre
2.Koré y Kuros junto al Chac Mool
3.Bernini coronado con el laurel de Daphne
4.Viento de Chirino meciendo un Calder
5.Pietá Rondanini
6.Pájaros de Bracusi atraviesan huecos de Moore
7.Paolina Borghese abandona el diván

Clavileño: Blog de vuelo

Tangbanera

Giardini Scarlattiani (sonata de Madrid)

1.Prado de San Isidro
2.Prado Viejo
3.Buen Retiro

Sonata en forma de Cármenes

1.Profundo Carmen
2.Secreto Carmen
3.Ardiente Carmen

Intérpretes

Samuel De la Prida, Pablo Ramos, Elena Cámara, Elena Díaz, Jacobo Ramos, Alberto Perez, Juan Lara, Andrés Martín, Pablo Marquez, Juan Carlos Zafra

Tomás Marco

Nacido en Madrid en 1942. Estudió violín y composición paralelamente con el bachillerato y la licenciatura en Derecho. Amplió estudios musicales en Francia y Alemania con maestros como Maderna, Boulez, Stockhausen, Ligeti o Adorno. También siguió algunos cursos de Psicología, Sociología y Artes Escénicas. En 1967 fue ayudante de Stockhausen. Premios: Nacional de Música en 1969, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro, Tribuna de Compositores de la UNESCO. Fue Profesor de Nuevas Técnicas del Conservatorio Superior de Madrid y Profesor de Historia de la Música de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Ha publicado varios libros y dictado cursos en instituciones y universidades de Europa y América. Ha ejercido la crítica musical en varios medios.

Como compositor es autor de 6 óperas, 1 ballet,10 sinfonías, música coral, de cámara etc. En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música. En Noviembre de 2002 ha recibido el Premio Nacional de Música por el conjunto de su obra compositiva y en 2003 el Premio de Música de la Comunidad de Madrid. En 2012 recibe la Gran Cruz del 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid, en 2014 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, y en 2016 el XV Premio Iberoamericano de la Música Tomás Luis de Victoria.

Andreas Eduardo Frank en colaboración con Roberto Maqueda: Thorn* (2018-22)

Para percusión solo, electrónica y video

Matthias Kaul: Do nothing, just wait, the singing will start… sooner or later (2013)

Para cepillo eléctrico y plato

Simon Steen-Andersen: Asthma* (2017)
(Versión para percusión de Roberto Maqueda)
Para percusión solo y video

* Estreno en España

Roberto Maqueda

Percusionista heterodoxo (y/o artista) interesado en el arte de vanguardia, las nuevas formas de comunicación así como su implementación en la creación artística de nuestro tiempo. Estudió con Christian Dierstein, Fred Frith, Håkon Stene y Steven Schick; en la FHNW (Basilea) y en la UCSD (San Diego, California) – siendo becario del pro- grama Fulbright. Actualmente lleva a cabo un proyecto de investigación artística sobre prácticas co-creativas. Vive en Basilea (CH).

Sus principales proyectos son reConvert; o la reciente y-band, donde realizan un revisión estética y conceptual del panorama actual de creación musical. Además co-dirige artísticamente la plataforma nómade de música CONTAINER. También realiza un trabajo continuado con compositores como Simon Steen-Andersen, Michael Maierhof o Andreas Eduardo Frank. Fue galardonado con el Premio a la Creación Joven 2017 del INJUVE (Gobierno de España). A su vez es muy importante la reflexión sobre los procesos colaborativos entre compositores e intérpretes, de ahí el proyecto junto a Jennifer Torrence. Es también Co-director del Festival EXIT, que se celebra en Montevideo (Uruguay).

Andreas Eduardo Frank

Andreas Eduardo Frank (1987) es compositor, artista multimedia e intérprete. Estudió en la Academia de Música de Würzburg y en el Estudio Electrónico de la Academia de Música de Basilea. Su obra es versátil y está marcada por la estrecha colaboración con otros jóvenes músicos y artistas a nivel internacional. En sus obras, Andreas Eduardo Frank explora la interfaz de lo real y lo virtual, de la música, la interpretación, el vídeo y el teatro. Sus piezas suelen ir precedidas de una idea poética global, que luego se contextualiza en la música de un modo que puede ir de lo cómico a lo nihilista. Disfruta jugando con el absurdo y el humor, intentando brillar con lo que no brilla de forma virtuosa, construyendo castillos en el aire con su música, sin miedo a derribarlos de nuevo, derivando de sus escombros una noción genuina de la música que coquetea valientemente con otras disciplinas. La estrecha colaboración con los intérpretes y la colaboración con otros artistas han dado lugar a numerosas actuaciones de sus obras en Europa, Asia y América. Desde el otoño de 2018, Andreas se unió a Ensemble Lemniscate como director artístico.

Notas al programa

Roberto Maqueda vuelve a la que fuera su casa, trayendo consigo una representación de algunos de sus últimos proyectos y colaboraciones. Thorn es una de las obras claves en la pro- puesta artística del percusionista pacense, un proceso colaborativo con el compositor Andreas E. Frank que se viene desarrollando por cuatro años. El proceso concluye con una extensa obra cuya premisa principal es la creación de material musical múltiple, como si de una banda se tratase, pero con tan solo un percusionista en escena. Por otro lado Asthma, del danés Steen-Andersen, compuesta inicialmente para acordeón, llega al repertorio de la percusión gracias al trabajo conjunto entre Steen-Andersen y Maqueda, para la creación de una versión al más puro estilo hombre-orquesta, en sintonía con la primera obra del concierto. Entre ambas obras colosales un regalo a los oídos, pura belleza sonora; un pequeño homenaje a Matthias Kaul, percusionista y compositor alemán fallecido el pasado año.

Novel Sámano: Cage’s Fandango

Eric Guinovan: Hypernova

Alyssa Weinberg: Table Talk

Geoffrey Hannan: Bubblegum

Anthony Di Bartolo: Bounce!

Robert Dillon: Ordering-Instincts

Intérpretes

Saxo alto: Ginés Pérez
Piano: Fernando Alejandre
Percusión: Carlos Henares, Irene Martínez, Kibir Mhaddan, Marta Soriano, Pablo Mimbrero y Pablo Morales.

Notas al programa

“De Resonancias y Sonoridades” es una propuesta de concierto con un objetivo principal: mostrar al público una amplia gama de posibilidades tímbricas en las que el metal, la piel y la madera tienen un papel fundamental. Una propuesta acústica realizada desde el prisma de la percusión en la que obviamente los diferentes desarrollos y trabajos rítmicos realzan la amalgama de universos resonantes y sonoros que los compositores han creado. Un concierto ecléctico que, a través de diferentes formaciones, transporta al publico hacia nuevos horizontes todavía por descubrir.

En este nuevo programa del grupo de Quinteto de Viento de 2º de Superior del Conservatorio Bonifacio Gil de Badajoz, podremos disfrutar de una obra que resultó ser tremendamente popular. El Wind Quintet Op.56 No.2 en sol menor es el segundo de un conjunto de tres obras de este tipo. Muy pocos compositores habían escrito quintetos de viento antes que él. Anton Reicha publicó su primer juego de seis en 1817. Danzi hizo lo mismo con su Op.56 en 1821 dedicándolos a Reicha, que entonces vivía en París. Danzi, con ojo para el mercado, prodigó su don para las melodías atractivas en estas obras. Pero a diferencia de Reicha, cuyas partes a menudo exigían músicos de muy alto calibre técnico, las de Danzi fueron escritas para todos y son técnicamente poco exigentes. Pero siguió la práctica de Reicha de tratar todas las voces como iguales. El Allegretto de apertura comienza con cierta vacilación antes de que el encantador tema principal sea presentado por la respuesta. El siguiente Andante es pacífico y un poco soñador. El Menuetto es bastante interesante, al estar acentuado en el segundo y tercer tiempo, tiene una calidad desequilibrada. El tema principal del emocionante final, Allegretto, se toca con un acompañamiento palpitante.

Franz Danzi (1763-1826) creció en Mannheim. Danzi estudió violonchelo con su padre y composición con Abbe Vogler antes de unirse a la famosa orquesta de Mannheim del Elector en 1778. Su carrera abarcó la transición del estilo clásico tardío al estilo romántico temprano. Danzi conocía a Mozart y fue mentor de Carl Maria von Weber. En 1783, Danzi sucedió a su padre como uno de los directores de orquesta de Elector. Eventualmente ascendió al puesto de Kapellmeister en los tribunales de Munich y luego en Stuttgart.

Fue un compositor prolífico que escribió obras en prácticamente todos los géneros. La música de cámara de Danzi incluye sextetos, quintetos, cuartetos y tríos, algunos para cuerdas, algunos para instrumentos de viento y algunos para una combinación de los dos. Estas obras generalmente tienen un estilo que refleja su propia experiencia temprana en Mannheim.

Juan Carlos Pérez Vacas

ANTON REICHA (1770-1836)

Fue un flautista, compositor y teórico musical checo. Muerto su padre, fue criado en Bonn por su tío Josef.​ En 1794, Anton se trasladó a Hamburgo, donde viviría cinco años. Fue amigo de juventud de Beethoven En 1808, Anton Reicha se trasladó a París, donde permanecería hasta su muerte.

Compuso catorce sinfonías, si bien es mucho más conocido por su música de cámara, especializada en el uso de instrumentos de viento. De hecho, se le reconoce como el inventor del «Quinteto de Viento», del que nos dejó un buen número de composiciones.

Gracias al éxito obtenido por sus 26 quintetos para instrumentos de viento, en 1818 fue nombrado profesor del Conservatorio de París, donde tuvo como discípulos a Berlioz, Liszt, Franck y Gounod.

Obtuvo la nacionalidad francesa en 1829. Recibió también el título de «Caballero de la Legión de Honor» por sus servicios musicales al Estado francés.

Olvidado después de su fallecimiento, a fines del S. XX su música ha sido recuperada (especialmente la de cámara), y es habitualmente interpretada en auditorios de Centroeuropa y en su país natal, Chequia por varios conjuntos y bandas musicales en Bonn.

WIND QUINTET OP.88 Nº1

Se trata de un quinteto de estilo clásico-romántico. La tonalidad principal de la obra es mi m. Está dividido en 4 movimientos:

I INTRODUCTION – allegro non tropo

II ANDANTE poco allegreto

III MENUETTO – allegro vivo

IV FINALE – allegro

Antonio Martín Hernández